슈거랜드 Sugarland 감독 이자벨라 브루네커 Isabella BRUNÄCKER | Austria | 2025 | 86min | Fiction | 국제경쟁 International Competition © Isabella Brunäcker, Portrait © Hannah Marie Schwaiger
English text below
품이 넉넉한 가죽 재킷 깊숙이 어깨를 숨긴 채, 이가는 홀로 차에 몸을 싣는다. 눈길이 향하는 곳은 끝없이 펼쳐진 도로. 애인과의 이별은 익숙한 모든 것에서 이가를 멀어지게 했고, 지금부터 이가는 목적지에 구애받지 않으며 혼자만의 시간을 보낼 작정인 듯하다. 하지만 주유소에서 우연히 만난 이선이 그 소박한 계획에 예기치 않은 균열을 낸다. 짐이라고는 배낭 하나가 전부인 여행자를 모른 척할 수 없어서 이가는 결국 조수석에 이선을 태우고, 그렇게 두 사람은 나란히 창밖을 바라보며 달리기 시작한다. 낯설고 불편한 동행은 시간의 흐름에 따라 서서히 다른 분위기를 띤다. 짧은 대화 속에서 그들은 서로를 조금씩 알아 가지만, 동시에 쉽게 드러내지 못할 저마다의 사연과 마주하기도 한다. 두 사람은 과연 어디로 향하는 걸까. 도착하고 나면 떠난 이유도 찾게 될까. 이자벨라 브루네커 감독은 장편 데뷔작 〈슈거랜드〉에서 말과 침묵, 음악과 풍경을 경유하는 여정을 그린다. 영화는 화려한 볼거리나 극적인 사건 대신에 “순간을 포착”하며 “모종의 에너지”를 탐구하는 데 힘을 기울인다. 마치 차창 밖 풍경처럼 쉼 없이 움직이는, 헤매고 춤추고 싸우는 둘을 따라가다 보면 이가의 표현대로 아름답고도 두려운 무언가와 문득 마주하게 될 것이다.
첫 장편영화를 미니멀한 방식으로 완성했다. 뭔가를 더하기보다 계속해서 덜어 내는 과정이었을 거라고 짐작하는데, 실제 각본과 연출 작업은 어땠나.
스타일과 관련한 선택은 얼마간 의도적이었고, 특히 차 안에서의 장면들은 꽤 그러했다. 관객이 이 여정에 동행하여 인물들과 소통하기를, 마치 차 안에 함께 있는 것처럼 느끼기를 진정으로 원했다. 각본 단계부터 예산이 제한적이라는 사실을 인지했기에, 가능하면 모든 것을 단순하고 관리 가능한 상태로 유지하고자 했다. 예를 들면 드라이브 신에서 자나 매키넌은 실제로, 실시간으로 차를 몰았다. 우리는 저상 트레일러나 그린스크린를 사용하지 않았다. 촬영 장소로는 일부러 인적이 드문 곳을 선택했고, 이는 〈슈거랜드〉를 기획하던 초창기부터 염두에 두고 내린 결정이다.
낯선 남녀가 우연히 동행한다는 로드무비의 전통적 설정에서 출발하지만, 영화는 인물들이 만족할 만한 도착지를 찾는 것에 목표를 두지 않는 것처럼 보인다. 전형적인 로드무비의 서사 구조에서 벗어나는 데에 어떤 매력을 느꼈나.
이가와 이선, 두 캐릭터의 성격은 무척 다르지만 놀랍도록 많은 공통점을 갖고 있다. 가장 눈에 띄는 것은 음악 취향이다. 사실주의적 느낌 위에 영화를 단단히 세우는 동시에, 전형적인 할리우드식 해피엔딩은 피하고자 했다. 대신 절제된 서사 구조를 택했다. 전형적 스토리라인을 따르는 것이 아니라, 느낌이나 모종의 에너지를 탐색하는 데에 집중했다고 할 수 있다. 서사보다는 어느 순간을 포착해 특정한 분위기를 불러일으키는 것이 중요했기 때문이다. 그런 의미에서 〈슈거랜드〉는 서사적 여정이라기보다는 시간의 흐름 속에서 특정 순간을 스냅숏처럼 담는 작품에 가깝다.
인물들의 대사는 최소화되어 있고, 때로는 말보다 그들 사이에 흐르는 침묵이 큰 역할을 한다. 말과 침묵을 조율하는 과정에서 배우들과는 주로 어떤 이야기를 나눴나.
많은 부분을 편집 과정에서 구체화했지만 촬영에서도 두 배우에게 많은 자유를 주었다. 16mm 필름으로 촬영했기에 테이크 횟수에 한계가 있던 것이 일정 부분 원인이기도 한데, 일단 차 안에서의 장면들은 리얼타임으로 촬영했다. 원 테이크로 진행하다 보니 사실상 양쪽에서 카메라가 10분간 계속 돌아가는 식이었다. 완벽한 테이크를 목표로 하기보다는 흐름을 이어 가는 데 집중해 달라고 배우들에게 부탁했다. 대화가 완벽하지 않을지언정 배우들이 그저 하던 일을 이어 가도록, 그 순간에 머물도록 유도했다.
이가 역의 자나 맥키넌, 이선 역의 빌 캐플의 캐스팅 과정도 궁금하다. 둘의 외모, 목소리, 분위기 등에서 어떤 대조와 연결성을 원했는지, 두 배우를 택한 결정적 이유는 무엇이었는지 듣고 싶다.
빌 캐플을 먼저 캐스팅했다. 독특한 억양을 가진 영국인을 찾고 있었고, 빌이 정말 그런 사람이었다. 처음 만났을 때부터 제대로 통했다는 느낌이었다. 빌은 이 프로젝트에 열정을 보였다. 바로 그것이 캐스팅의 중요한 이유였다. 그가 진심으로 참여하고 싶어 한다는 점, 그리고 이 영화를 스스로 느끼고 있다는 점이 결정적이었다. 〈슈거랜드〉만의 독특한 바이브를 이해하는 것이 연기만큼이나 중요했으니까. 한편 자나 매키넌을 발견하기까지는 시간이 좀 더 걸렸다. 보자마자 이 사람이라고 생각했다. 머리카락 색이 짙고 약간 꿈결 같은 사람을 상상했는데, 자나가 그 비전을 수월하게 실현해 주었다. 이후 두 배우가 처음 만났을 때 내 선택이 옳았다는 확신이 들었다.
댄스 카페에서 춤추는 장면이 기억에 남는다. 80~90년대 정취를 간직한 공간과 나이 든 사람들 속에서 두 인물은 처음엔 이방인처럼 두리번거리다가 나중에는 둘밖에 없다는 듯이 무대를 휘젓는다. 삽입곡으로 더 컬트의 ‘She Sells Sanctuary’를 선택한 배경과 배우들의 안무에 관한 비하인드 스토리를 들려준다면?
〈슈거랜드〉 대본을 쓰다가 문득 그 노래를 반복해서 듣고 있다는 것을 깨달았다. 삽입곡으로 결정한 것은 내게 자연스럽고 당연한 일이었다. 다른 노래들을 고민하지도 않았고 유행을 따르려는 마음도 없었다. 그냥 그 노래가 딱 들어맞는 느낌이었다. 확실히 춤추기 좋은 노래다. 다소 몽환적이고, 가사도 개인적인 면들과 관련이 있다. 흥미롭게도 댄스 카페 장면은 촬영 전날 두 배우와 리허설을 진행했던 유일한 장면이기도 하다. 구체적인 안무나 지시사항은 없었다. 배우들에게 그저 편히 즐기면서 움직임을 통해 자신을 표현해 주길 당부했을 뿐이다. 두 사람 모두 내가 추구하는 분위기를 명확히 이해하는 데다 타고난 춤꾼이어서 별 어려움 없이 해당 장면에 에너지를 불어넣어 줬다. 셋이서 몇 차례 리허설을 했는데 의심할 여지 없이 촬영장에서 가장 즐거웠던 순간 중 하나였다.
인물과 카메라의 거리만큼 인물과 인물의 거리도 세밀하게 조율되어 있다. 이가와 이선은 각자 숨기고 싶은 비밀 혹은 입 밖으로 꺼내지 않는 사연을 지니고 있다. 이러한 긴장감을 사건으로 연결하는 대신에 위태로운 상태 그대로 남겨 놓은 것은 어떤 의도였나.
말하지 않은 채 남겨 두는 것에는 힘이 있다고 생각한다. 개인적으로 해석의 여지를 남겨 놓는 영화들을 좋아하는 편이다. 관객 참여를 더 깊은 수준까지 유도한다고 본다. 관객이 고민하고, 질문을 던지고, 적극적으로 영화에 참여하도록 장려하는 방식이다. 물론 이러한 접근 방식을 모든 영화에 적용할 수는 없겠지만, 〈슈거랜드〉의 경우에는 너무나 적절했다. 전형적 의미의 서사보다는 감정적 풍경, 특정한 분위기와 존재 상태에 중점을 두는 작품이지 않나. 결국 내 의도는 관객이 장면의 리듬에 온전히 빠져들어 몰입하도록 만드는 것이었다. 인생에서 우리는 종종 무언가를 숨기며 살아간다. 또한 무엇을 숨기고 무엇을 드러낼지, 무엇을 나만의 것으로 남겨둘지를 선택한다. 〈슈거랜드〉 속 인물들도 다를 바 없으며, 그들은 서로 나눌 것과 홀로 남길 것 사이에서 조용한 긴장감을 드러낸다.
야외 촬영 분량이 많고, 도로와 주변 풍경이 영화에 중요한 요소로 작용한다. 날씨, 소음 등 현장을 완벽히 통제하기 어려운 상황에서 유연하게 대처해야 했는데, 이는 어떤 경험이었나.
촬영 내내 날씨와 관련해서는 놀라울 정도로 운이 따랐다. 게다가 프랑스 해안 지역에 예상치 못한 폭설이 내린 덕분에 훌륭한 조건이 갖춰지기도 했다. 밤 주유소 장면에서도 뜻하지 않게 운이 따랐다. 직원이 일부러 촬영일을 그날로 정했냐고 물어보더라. 평소엔 그 일대가 굉장히 혼잡한데, 마침 공사로 도로가 폐쇄된 날이었던 거다. 우리는 그 사실을 전혀 몰랐고, 보통처럼 붐볐다면 촬영이 얼마나 정신없었을지 상상조차 하기 힘들다. 그 외에도 대부분 순조롭게 진행됐다. 11월과 12월에 촬영했기에 해가 드는 시간이 짧았다. 촬영을 미루거나 뭔가를 기다릴 여지 자체가 거의 없었다. 우리는 어떤 조건이든 받아들이면서, 여행의 자연스러운 흐름에 맞춰 작업했다. 때로는 일정을 조정하기도 했지만, 넓게 보면 본래 계획을 따라 빈에서부터 점점 멀어져 목적지를 향해 이동하며 시간 순서로 촬영했다. 유일하게 빈에서 먼저 촬영한 장면이 앞서 말한 댄스 카페 신이다. 그 편이 보조 연기자들과 호흡하기에 훨씬 용이해서였다. 길을 떠나기 바로 전날 댄스 카페 장면을 촬영했다.
감독으로서 앞으로 다루고 싶은 또 다른 주제나 이야기, 혹은 실험하고 싶은 새로운 형식이 있다면?
워낙 생각이 많다 보니 어디서부터 시작할지 아직 잘은 모르겠다. 다만 ‘여행’과 ‘자신을 발견하기’라는 주제는 꼭 계속해서 탐색하고 싶다. 길을 끊임없이 찾아가는 사람으로서 이런 주제가 내게 어울리고 자연스러운 방향으로 다가온다. ‘페미사이드’에 관한 이야기도 개발 단계에 있다. 내가 사는 오스트리아는 유럽에서 페미사이드 비율이 가장 높은 국가이고, 나 또한 이를 우려하면서 다각도로 관심을 기울이고 있다. 현재 대본은 거의 완성한 상태다. 더불어 후속 프로젝트에서는 가능하다면 35mm로 옮겨 가 필름 작업도 지속해 보고 싶다.
© Isabella Brunäcker
You made your first feature film in a minimalist style. We imagine it must have been a process of subtraction rather than addition. What was the actual writing and directing process like?
To some extent, yes. Although some stylistic choices were very intentional, for instance the scenes inside the car. I really wanted the viewer to feel like part of the journey, to engage with the characters, and to experience the trip as if they were in the car as well. While writing, I was already aware that the budget would be limited, so I made a conscious effort to keep things simple and manageable from a production standpoint. For example, Jana McKinnon actually drove the car in real time. There was no low loader or green screen involved. We also chose many locations that aren’t heavily frequented, which was something I kept in mind from the very beginning while developing Sugarland.
The film begins with the traditional road movie premise of a chance encounter between a man and a woman traveling together. However, it doesn’t seem to focus on the characters reaching a satisfying destination. What appealed to you about breaking away from the typical road movie narrative structure?
The two characters have very different personalities, yet they share a surprising amount in common, most notably, their taste in music. My intention was to ground the film in a sense of realism, trying to avoid the typical Hollywood happy ending, and opting for a more understated narrative arc instead. For me, the film is less about plot and more about evoking a mood, capturing moments and atmospheres. It’s an exploration of a feeling, a certain energy, rather than a conventional storyline. In that sense, the film functions more as a snapshot of a particular moment in time than a traditional narrative journey.
Dialogue is kept to a minimum, and the silence between the characters often speaks louder than words. What conversations did you share with your actors during the process of balancing words and silence?
Much of this took shape during the editing process. That said, while filming, I gave the two actors, Jana McKinnon and Bill Caple, a great deal of freedom. This was partly due to the fact that we shot the film on 16mm, which limited the number of takes we could do, especially during the car scenes, as we were shooting in real time. There were no stops; the camera would essentially roll for about ten minutes on each side. I asked them to focus on maintaining the flow rather than aiming for a perfect take. Even if the dialogue wasn’t flawless, I encouraged them to keep going and stay in the moment.
We’re curious about the casting process for Jana McKinnon as Iga and Bill Caple as Ethan. What contrasts and connections were you looking for in their appearances, voices, and overall presence? What ultimately led you to choose these two actors?
Bill Caple was cast first. I was looking for an Englishman with a distinct accent, and Bill offered exactly that. When we first met, we immediately clicked. He was enthusiastic about the project, and I believe that’s a crucial aspect of casting, that the actors genuinely want to be part of the film, that they feel it, and, in the case of Sugarland, understand its unique vibe. Finding Jana McKinnon took a bit longer, but once I came across her, it was clear she was the ideal choice. I had envisioned someone with dark hair and a certain dreamlike quality, and she brought that vision to life effortlessly. When the two then first met in real time, I was certain I had made the right choice.
The dance scene in the bar leaves a lasting impression. In a space that retains the atmosphere of the ’80s and ’90s, surrounded by older patrons, the two characters start off as outsiders before fully immersing themselves, as if they are the only ones there. Could you share the story behind the choice of “She Sells Sanctuary” by The Cult for this scene and any behind-the-scenes details about the choreography?
While writing Sugarland, I found myself listening to that particular song repeatedly, so choosing it for the scene in the dance café felt natural and immediate. I never considered any alternatives, or tried to follow trends, it just felt right. The song is undeniably danceable, somewhat dreamy, and the lyrics spoke to me on a personal level. Interestingly, it was the only scene I chose to rehearse in advance with the two actors, the day before shooting. There was no specific choreography; I simply encouraged them to let go, have fun, and express themselves through movement. Because they both had a clear understanding of the mood I was after, and because they’re both naturally gifted dancers, they brought an effortless energy to it. We rehearsed it a few times, just the three of us. It was, without a doubt, one of the most enjoyable moments on set.
Just as the distance between the camera and the characters is carefully adjusted, so is the distance between the characters themselves. Iga and Ethan each have secrets they want to hide or stories they don’t want to share. What was your intention behind leaving this tension in a precarious state rather than resolving it through Events?
There is a certain power in what remains unspoken. Personally, I appreciate films that leave space for interpretation. I believe this invites a deeper level of engagement from the audience, it encourages them to reflect, to question, and to become actively involved in the experience. Of course, this approach doesn’t suit every film, but in the case of Sugarland, it felt entirely appropriate. The film is less about narrative in the conventional sense and more about evoking a particular emotional landscape, a mood, a state of being. My intention was to create an experience that invites the viewer to let go, to drift into the rhythm of the story and immerse themselves fully. In life, we often conceal things, we choose what to reveal and what to keep to ourselves. The characters in Sugarland are no different and reflect this quiet tension between what is shared and what is withheld.
Many scenes in the movie were shot outdoors, with roads and surrounding landscapes playing a crucial role. What was it like to have to be flexible in situations where you didn’t have complete control over the weather, noise, and other factors? Were there any particular shots you had to wait for?
We were incredibly lucky with the weather throughout the entire shoot. Aside from an unexpected snowfall along the French coast, we experienced notably favorable conditions. Even the night scene at the petrol station turned out to be a stroke of luck. The attendant asked if we had intentionally chosen that specific day for the shoot, as the motorway had been closed for construction. Under normal circumstances, he explained, the area would have been busy with traffic throughout the night. We had no idea about the closure, and I can’t imagine how chaotic the shoot might have been had it been a typical busy evening. Otherwise, everything went really smoothly. Since we were filming in November and December, the days were short and offered little room for delay or indecision. We simply adapted to whatever conditions we encountered, going with the flow of the journey. Occasionally we adjusted the schedule, but for the most part, we followed our original plan, shooting chronologically as we moved further away from Vienna to our destination. The only scene we filmed in Vienna prior was the one set in the dance café, as it was more practical and easy to coordinate the extras there. We shot it the day before setting off on the road.
Are there any other topics or stories you would like to explore as a director in the future, or any new formats you would like to experiment with?
There are so many ideas, it’s difficult to know where to begin. I definitely want to continue exploring themes like travel and self-discovery. As someone who is constantly searching this path feels like a natural direction.There is also a story I’ve been developing that touches on the subject of femicide. In Austria we have one of the highest femicide rates in Europe, and that concerns me. The script for it is nearly complete. I’d also love to keep shooting on film too, ideally moving to 35mm for future projects.
